Henry Peach Robinson

Henry Peach Robinson nació en 1830 en Ludlow, Shropshire (Inglaterra) y comenzó su carrera artística como pintor de la escuela prerrafaelista, profesión que abandonó para dedicarse a la fotografía, abriendo un estudio fotográfico en 1857.

Fue uno de los padres del pictorialismo fotográfico y un gran luchador a favor de la inmersión de la fotografía en el mundo del arte, escribiendo libros como “Pictorial Effect in Photography” (1869), “Picture Making in Photography” (1884) o “Artistic Effect in Photography” (1885), donde defiende la ruptura del automatismo en fotografía y su elevación a la categoría de arte (pictórico).

Fue el fundador de la influyente hermandad “Linked Ring”, con repercusión durante veinte años, y fue miembro de la “Honorary Fellowship de la Royal Photographic” a partir del 1900.

Inicialmente sus fotografías tienen carácter academicista, influencia de la escuela prerrafaelista. Su obra más relevante "Los últimos instantes" es un fotomontaje con cinco negativos diferentes que muestra una chica moribunda de tuberculosis. En esta obra tanto el hecho de que sea un fotomontaje como la forma de tratar la muerte, es de estilo academicista. Sin embargo, se acerca más al romanticismo, pues la escena tiene un gran dramatismo, acrecentado por el paisaje que se observa tras la ventana, el cual nos traslada a los cuadros del pintor romántico Caspar David Friedrich. De hecho, el resto de paisajes de Robinson tienen un tratamiento de la naturaleza y su fuerza muy similar al de Friedrich.

FUENTES:

·http://www.libfl.ru/pre-raph/Robinson.html

·http://artescontemporaneos.com/los-ultimos-instantes-henry-peach-robinson-ii/

·http://encarta.msn.com/encyclopedia_761579417/robinson_henry_peach.html

·http://es.encarta.msn.com/encnet/refpages/searchdetail.aspx?q=henry+peach+robinson&pg=1&grp=ans

·http://www.rleggat.com/photohistory/history/robinson.htm

·http://www.edinphoto.org.uk/3/3_pss_exhibitors_robinson_thumbnails.htm

Josef Sudek

Josef Sudek nació en Kolín ( República Checa) en 1896. En su juventud trabaja como encuadernador en su ciudad natal y estudia fotografía. Sin embargo, durante la Primera Guerra Mundial es herido en el brazo izquierdo por una granada y le amputan el brazo, lo que le impidió seguir trabajando como encuadernador y se dedica por completo a la fotografía al finalizar la guerra.

En 1927 instala su estudio en Maá Strana, en Praga, ciudad por la que sentía un amor inmenso y en torno a la que gira toda su obra.Allí realiza su primera exposición individual en 1932 y allí muere en 1976.

Sus paisajes y panoramas de Praga siguen el estilo pictoricista, lejos de mostrar la Europa del momento, que bullía tanto en aspectos políticos como artísticos, Sudek crea fotografías que nos hablan de sus estados de ánimo, su obra es totalmente personal, sugerente y evocadora.

Al final de su carrera se concentró en objetos cotidianos, interiores románticos, bodegones y retratos. Sus bodegones nos recuerdan a la experimentación realizada por Cezane creando composiciones que a la vista nos parecen inverosímiles. Pero, para mí, lo mejor de su obra es el juego de la luz en los interiores, que crean una atmósfera resplandeciente similar a luz que caracteriza los cuadros de Rembrandt. Sus fotografías nos envuelven en un mundo onírico donde el autor se evade de la realidad de la posguerra.

FUENTES:

·http://www.masters-of-fine-art-photography.com/02/artphotogallery/photographers/josef_sudek_03.html

·http://usuarios.lycos.es/luniorni/newpage16.html

·http://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/sudek.htm

Brassaï

Gyula Haláz nació en 1899 en Brasso, Hungria ( Transilvania), que en la actualidad ha quedado incluida en Rumania. Su padre era profesor de literatura francesa y Brassaï, `por influencia de su padre, pronto se siente atraido por París. Realiza su primer viaje a esta ciudad entre 1903-1904, pero no se instala allí hasta 1924.

Estudió bellas artes en Budapest (1918-1919) y Berlin (1920-1922) y comenzó a frecuentar los círculos formados por Lázló Moholy-Nagy, Vasili Kandinski y Oscar Kokoschka.

Se trasladó a París en 1924 y comenzó a trabajar como periodista, y para acompañar sus artículos solicita fotografías de artistas tan importantes como André Kertész. Conoce, así mismo, a Eugène Atget, quien fue para él una referencia constante.

También fue un gran amigo de Picasso, del que publicó numerosas fotografías en la revista MINOTAURE.

No decide realizar sus propias fotografías hasta 1930 y lo hace de forma autodidacta. Sus fotografías nos presentan la noche, la noche universal a través de las oscuras calles de París, un París diferente marcado por la música, el sexo y la droga. Según el propio Brassaï:

"La noche sugiere, no enseña. La noche nos encuentra y nos sorprende por su extrañeza; ella libera en nosotros las fuerzas que, durante el día, son dominadas por la razón..."

Muere en 1984.


FUENTES:

·http://www.fotonostra.com/biografias/brassai.htm
·http://www.elangelcaido.org/fotografos/brassai/brassai.html
·http://images.google.es/images?q=brassa%C3%AF&um=1&hl=es&rlz=1B3GGIC_esES226ES226&start=18&sa=N&ndsp=18

Bill Brandt

Bill Brandt nació en Hamburgo ( Alemania ) en 1904, su padre era británico y su madre alemana, pero pasó la mayor parte de su vida en Inglaterra. Comenzó a interesarse por la fotografia con 20 años, cuando aún vivía en Viena y se establece en París en 1929, cuando un amigo común le presenta a Man Ray, de quien se convierte en ayudante durante unos meses. De ahí que en sus fotografías se aprecie influencia surrealista, especialmente de André Kertesz y de Eugène Atget.

Vuelve a Londres al comienzo de los años 30 y trabaja como fotógrafo independiente para diferentes revistas.

Sus primeros trabajos son de fotoperiodismo. En este periodo Brandt fotografía la vida de las grandes ciudades inglesas, en un momento en el que acucia una crisis económica profunda.

Durante la guerra recibe el encargo por parte de gobierno inglés de retratar la apariencia fantasmagórica de las calles de la ciudad durante los bombardeos aéreos y la manera en que transcurre el tiempo en los refugios antiaereos.
Después de la guerra su estilo cambia rotundamente y pasa de un tipo de fotografía social y arquitectónica al retrato realizado en el estudio. Crece e él la voluntad de experimentación, inicia la fotografía de desnudos, retratos y paisajes.

En los desnudos, es en el campo donde consigue mayor personalidad, dotando a sus imágenes la fantasía surrealista. Estudia las profundidades de campo y las perspectivas deformadas, que vienen del uso de una distancia focal corta. Así, produce distorsiones e impregna las formas femeninas de misterio.
Bill Brandt falleció el 20 de Diciembre del 1983.

FUENTES:

·http://www.elangelcaido.org/fotografos/bbrandt/bbrandtbio.html

·http://usuarios.lycos.es/luniorni/newpage14.html

·http://www.fotonostra.com/biografias/billbrandt.htm

·http://www.vam.ac.uk/vastatic/microsites/1232_brandt/

·Lottman, Herbert R., "El París de Man Ray", Tusquets Ediciones, 2003, Barcelona.

Man Ray

Emmanuel Radnitsky, hijo de inmigrantes rusos, nació en Philadelphia en 1890. Comenzó a llamarse Man Ray en los años veinte.

Rechazó una beca para estudiar arquitectura y decidió trabajar En Nueva York trabaja grabador y en una agencia de publicidad, a la vez que asiste a las clases nocturnas de la National Academy of Design. Sus primeros contactos con la vanguardia neoyorquina se producen en sus visitas a la galería de Alfred Stieglitz y en las tertulias de los Arensberg. También estuvo influido por su profesor Robert Henri.
Realizó su primera exposición individual a los veinticinco años. Tuvo su primer contacto con el Cubismo en 1913 en el Armory Show, incorporando pronto aquellos elementos estilísticos en su trabajo.

En 1914 se casó con la poetisa belga Adon Lacroix y en 1915, con 25 años de edad, tiene lugar su primera exposición individual en la Daniel Gallery de New York.

Conoció a Marcel Duchamp,cuya gran amistad influyó en el trabajo de ambos y juntos participaron del movimiento New York Dadá.

Impulsado por Duchamp, Man Ray se trasladó a París en 1921, y, con la única excepción de 10 años que vivió en Hollywood durante la Segunda Guerra Mundial, pasó el resto de su vida allí. Se unió al movimiento Dadá y luego a los Surrealistas.

Su imaginación y creatividad ilimitadas le llevaron a experimentar todas las ramas del arte: arquitectura, pintura, escultura, diseño, escritura…Pero sin duda, donde más reconocimiento ha adquirido es en fotografía.

Comenzó a fotografiar en los años veinte y se interesó por las posibilidades que le ofrecía el papel fotosensible. Descubrió una nueva dimensión que llamó “rayo grafía”: Ponía algunos objetos tridimensionales en el papel fotográfico, luego los exponía reiteradamente a una fuente luminosa móvil, obteniendo grabados fotográficos abstractos dotados de un fascinante efecto en relieve.

No era su intención conseguir una reputación como fotógrafo en el sentido estricto de la palabra. Ante todo era un investigador que utilizaba el “error” técnico para crear nuevas formas de representación. Tenía un instinto especial para crear fotogafías efectistas.

Utilizó diferente procedimientos tales como:la solarización (formación de una sombra oscura en torno a una imagen expuesta a una fuente luminosa durante el proceso del revelado), la granulación (acentuación de la grana de plata del medio fotosensible que da a la fotografía una textura irregular), la reproducción en negativo (inversión de los tonos blancos y negros, que dan a al imagen un aire irreal de extraordinario efecto), la distorsión (modificación de la realidad gracias a la inclinación del ampliador), el proceso con relieve (efecto tridimensional que se logra colocando una diapositiva sobre un negativo ligeramente desplazado), etc.

Man Ray fallece en Francia en 1976 y es enterrado en el cementerio de Montparnasse.

FUENTES:

·http://www.elangelcaido.org/fotografos/manray/manray.html
·http://www.manraytrust.com/ (offical website)
·http://www.fotonostra.com/biografias/manray.htm
·http://www.manray-photo.com/catalog/index.php
·Lottman, Herbert R.; "El París de Man Ray"; Tusquets Ediciones; 2003; Barcelona.

Edward Steichen

Edward Steichen nació en 1879 en Luxemburgo y emigró con su familia a Estados unidos en 1881. Allí tomó su primera fotografía en 1895 a los 16 años y a los 21 años viaja a París a estudiar pintura. Sus estudios en París influyeron enormemente en su trabajo fotográfico y se convirtión en uno de los mayores representantes del pictorialismo.

En Nueva York en 1905 se unió al fotógrafo norteamericano Alfred Stieglitz y abrieron la Gallery 291, sala en la que realizaron sus primeras exposicione algunos de los pintores más representativos del siglo XX. Al año siguiente Steichen volvió a París, donde experimentó con la pintura y la fotografía, entre otras cosas.

En 1923 Steichen regresó a Nueva York como fotógrafo jefe de las revistas Vanity Fair y Vogue. Entre los famosos que retrató se encuentran Greta Garbo y Charles Chaplin.

Durante la II Guerra Mundial dirigió la sección de fotografía de la US-Marine.

En 1947 Steichen fue nombrado director de fotografía del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA). En 1955 preparó la exposición fotográfica The Family of Man (considerada su obra maestra), que posteriormente dio la vuelta al mundo. Sus obras se pueden admirar en el Museo de Arte Moderno y en el Eastman House de Rochester, Nueva York.

Este fotógrafo estadounidense buscó la interpretación emotiva e impresionista en sus temas, otorgando gran importancia a la caracterización, y luchó para que la fotografía fuese reconocida como una manifestación formal de arte.

FUENTES:

·http://usuarios.lycos.es/luniorni/newpage7.html

·http://www.decordova.org/decordova/exhibit/1996/steichen.html

·http://www.spartacus.schoolnet.co.uk/USAPsteichen.htm

Julia Margaret Cameron

Julia Margaret Cameron (1815-1879) nació en Calcuta, aunque de familia inglesa,fue la primera mujer reconocida en el mundo de la fotografía.

Su carrera fotográfica surgió como un jobie a los 48 cuando su hermana le regala una cámara para paliar la soledad que sentía a causa de un largo viaje de su marido, sin embargo, causó tal impacto en su vida que decidió dedicarse por completo a la fotografía . Fue autodidacta y utilizó a sus familiares, criados y amigos como modelos.

Fue más admirada por pintores y artistas que por fotógrafos, ya que le importaba lo estético sobre lo técnico. Buscaba más una expresión poética que realista, y sus retratos y alegorías religiosas se acercan al gusto romántico de su época. Deseaba mostrar el alma de sus modelos y romper con el realismo fotográfico, acercandose así a las imágenes pictóricas, lo cual consiguió con recursos como sacar a sus modelos de foco, con el uso de diferentes luces que crean la atmósfera adecuada, etc.

Su obra se podría dividir en 3 grupos. Por un lado las fotos alegóricas, con temas mitológicos, artúricos o bíblicos; por otro los retratos de personas ilustres (amigos o conocidos de la familia); y finalmente los retratos femeninos de sus allegadas, amigas y sirvientas.

Su obra fue conocida postumamente, gracias a la reivindicación por parte de los fotógrafos del pictorialismo, al apoyo del grupo literario de Bloomsbury y a su sobrina nieta Virginia Wolf.

FUENTES:

·http://usuarios.lycos.es/luniorni/newpage1.html

·http://www.fotonostra.com/biografias/margaretcameron.htm

·http://www.caborian.com/20060622/grandes-fotografos-julia-margaret-cameron/

·http://www.artcyclopedia.com/artists/cameron_julia_margaret.html

·http://lapistoladelarra.blogspot.com/2007/07/fotografa-1-julia-margaret-cameron.html

Un poquito de historia: Calotipo, fotografía sobre papel

William Henry Fox Talbot, puso a punto un procedimiento fotográfico que consistía en utilizar papel negativo, en el cual se podía reproducir un número ilimitado de copias, partiendo de un único negativo.

En enero de 1839 Faraday presentó unas imágenes obtenidas, por Talbot, por simple exposición al sol de objetos aplicados sobre un papel sensibilizado. Talbot tras el conocimiento del hiposulfito a través de Herschel, obtuvo imágenes negativas.

Talbot descubrió que el papel cubierto con yoduro de plata, era más sensible a la luz, si antes de su exposición se sumergía en una disolución de nitrato de plata y ácido gálico. Disolución que podía ser utilizada para el revelado de papel después de la exposición. Una vez finalizado el proceso de revelado, la imagen negativa se sumergía en tiosulfato sódico o hiposulfito sódico para fijarla, hacerla permanente. A este método Talbot se le denominó calotipo, requería unas exposiciones de 30 segundos para conseguir la imagen en el negativo.

Talbot llegó a conseguir, con cámaras muy reducidas con objetivos de gran diámetro, imágenes muy perfectas pero extremadamente pequeñas. A finales de 1840 enseñaría su nueva modificación del proceso, el Calotipo. Con una segunda operación Talbot conseguía una imagen positiva. Este método hacía posible la obtención de cuantos positivos se quisieran de un solo negativo.


La cámara siguió evolucionando. En 1854 aparece a través de Petzval, el objetivo de gran angular que abarcaba 92 grados, y en 1860 por Harrison y Schnitzer adaptan a este un diafragma iris.

La posibilidad de la imagen instantánea en una época donde el retrato era la finalidad de la fotografía, hace que empiece a aparecer la imagen del fotógrafo callejero.

Un poquito de historia: Daguerre y el daguerrotipo

A finales de 1829 Daguerre y Niépce formaron una sociedad en la que se reconocía a este último como inventor. Muerto Niépce en 1833, pasa a manos de Daguerre el invento de forma casi completa.

Lo perfeccionó con la acción del vapor de mercurio sobre el yoduro de plata y luego con la posibilidad de disolver el yoduro residual en una solución caliente a base de sal común.

El lanzamiento se produjo de 1838 a 1839. Daguerre se convierte en una eminencia reconocida y premiada. Inmediatamente comienza a fabricar una serie de material fotográfico haciendo demostraciones en público; una de ellas quedó reflejada en un librito de doce páginas de gran rigor, publicada y descubierto el secreto que encerraba. Sin aportar ninguna nueva mejora importante muere en 1851.

Daguerre aportó el lado mercantilista y espectacular con un procedimiento cuya originalidad le era propia. Aunque se trataba de algo costoso y de difícil manipulación, que tan solo producía una prueba única no multiplicable, abrió el camino definitivo para la fotografía.

Un poquito de historia: La primera fotografía

El primer paso para fijar la imagen reproducida en la caja ocurre en 1727, realizando una demostración de la investigación experimental sobre la sensibilidad a la luz del nitrato de plata, por el alemán J.H. Schulze.

El mérito de la obtención de la primera imagen duradera, fija e inalterable a la luz pertenece al francés Joseph Nicéphore Nièpce. (1765-1833).

Louis Jacques Mandè Daguerre, veinte años más joven que Niepce y famoso pintor, estaba interesado en la forma de fijar la luz con su cámara oscura y al enterarse de los trabajos de Niepce le escribió para conocer sus métodos, pero éste se negaba con evasivas; tras visitarle varias veces e intentar convencerlo para asociarse, dio por inútiles sus intentos y se lanzó a investigar tenazmente.

En 1835 Jacques Daguerre publicó sus primeros resultados de su experimento, proceso que llamó Daguerrotipo, consistente en láminas de cobre plateadas y tratadas con vapores de Yodo. Redujo además los tiempos de exposición a 15 o 30 minutos, consiguiendo una imagen apenas visible, que posteriormente revelaba en vapores calientes de mercurio y fijaba lavando con agua caliente con sal. El verdadero fijado no lo consiguió hasta dos años más tarde. Algunos de lo daguerrotipos que produjo se conservan aún en la actualidad.

Un poquito de historia: Antecedentes

La palabra fotografía deriva del griego foto igual a luz y grafos, escritura.

Por lo cual se dice que la fotografía es el arte de escribir o pintar con luz.

La idea de la fotografía nace como síntesis de dos experiencias muy antiguas. La primera es el descubrimiento de que algunas sustancias son sensibles a la luz. La segunda fue el descubrimiento de la cámara oscura (una caja cerráda herméticamente con un pequeño orificio llamado estenopo, que deja pasar la luz; los rallos de luz que inciden hacen que se forme una imágen invertida y algo difusa del motivo) .

La máquina oscura de la que deriva la cámara fotográfica, fue realizada mucho tiempo antes de que se encontrara el procedimiento para fijar con medios químicos la imagen óptica producida por ella.

Aristóteles, filósofo griego que vivió en Atenas entre 384 y 322 a. C, afirmaba que si se practicaba un pequeño orificio sobre la pared de una habitación oscura, un haz luminoso dibujaría sobre la pared opuesta la imagen invertida del exterior.

La primera descripción completa e ilustrada sobre el funcionamiento de la cámara oscura, aparece en los manuscritos de Leonardo da Vinci (1.452-1.519).

La palabra, "Fotografía" tal y como la conocemos ahora, la utilizó por primera instancia en 1839 Sir John Herschel. En ese mismo año se publicó todo el proceso fotográfico.

Varias décadas antes, De la Roche (1729-1774) tras su investigación hizo una predicción asombrosa en un trabajo literario de nombre Giphantie, donde era posible la capturación de imágenes de la naturaleza en una lona cubierta por una sustancia pegajosa, proporcionando una imagen idéntica a la real. Esta imagen, sería permanente después de haberla secado en la oscuridad.

De la Roche no se imaginaba siquiera, que la narración de su cuento imaginario podría llegar a ser verídico varios años después.

Bahman Jalali

"Bahman Jalali ha fotografiado los puntos cardinales de Irán, ha documentado sus guerras y revoluciones, ha retratado su paisaje desértico, ha registrado la topografía facial de sus gentes y ha demostrado ser un profundo conocedor de la quietud vacía de los pueblos y ciudades iraníes" comenta Catherine David, comisaria de la exposición sobre Bahman Jalali que tuvo lugar en la Fundació Antoni Tapiés del 29 de septiembre al 30 de diciembre de 2007. La exposición incluía como plato fuerte dos proyectos: Días de sangre, días de fuego (Teherán, 1978-1979), que nos hace testigos de la revolución iraní, y Khorramshahr. La ciudad que fue destruida (1981), documento de la guerra entre Irán e Irak. También incluía otras series documentales que retratan la vida cotidiana, la vida de los pescadores y las formas arquitectónicas tradicionales del desierto iraní o de la ciudad de Bushehr; y una selección de fotomontajes de negativos de la época Qajar. Es una excelente muestra de gran parte de su carrera.
Con motivo de la exposición Barcelona tuvo el honor de recibir al fotógrafo iraní. Nacido en 1944, comenzó a fotografiar de forma desinteresada. Su objetivo no era publicar las fotos sino simplemente conservarlas. "Hago fotografía para el futuro, no para el presente""En la historia de cualquier país hay épocas mejores y peores. Como fotógrafo, mi misión es estar allí y documentar lo que hay, el futuro decidirá" afirmaba Jalali en una entrevista realizada por El País.
Contemplar las fotografías de Bahman Jalali es presenciar la historia evidente y oculta a la vez de su pueblo: de las calles y los frentes de batalla, de sus revoluciones y guerras, del paisaje deshabitado de sus desiertos y sus pequeños pueblos, y aun de los remotos rincones de sus recuerdos fotográficos. Su obra y su actividad sirven por tanto de índices del importante papel desempeñado por la fotografía en la emergencia de su país como Estado nación moderno a lo largo de los últimos doscientos años, y cartografían los diversos regímenes visuales que han sentado las bases para la formación de la modernidad en Irán. El registro vivo de una modernidad visual coincidente con una narrativa nacional que hunde sus raíces en la conciencia colectiva iraní es evidente en su obra y atraviesa las siluetas de su memoria fotográfica.


FUENTES:
·http://www.fundaciotapies.org/site/rubrique.php3?id_rubrique=747
·http://www.fundaciotapies.org/
·http://blogs.ya.com/yashoot/c_75.htm
·http://www.pixelicia.com/2007/10/03/bahman-jalali-iran-a-carne-viva
·http://www.lavanguardia.es/free/edicionimpresa/res/20071107/53409449820.html
·http://www.lavanguardia.es/free/edicionimpresa/res/20071107/53409456610.html
·http://www.lavanguardia.es/free/edicionimpresa/res/20071107/53409443513.html
·http://www.lavanguardia.es/premium/publica/publica?COMPID=53397603663&ID_PAGINA=22088&ID_FORMATO=9&turbourl=false

Ken Rosenthal

Ken Rosenthal nació en Los Angeles, Estados Unidos y es uno de los tantos fotógrafos que gozan hoy día de la fama que ha cobrado el medio fotográfico en el mercado artístico. Su obra está repartida en múltiples colecciones y es representada por diez galerías de su país.
El proceso químico de la copia es pilar fundamental de su obra. Partiendo de negativos muy nítidos genera imágenes fuera de foco, convirtiendo el proceso de copiado en metáfora del proceso de la memoria, que por mecanismos misteriosos –Ken no da la receta de sus copias…- borra, tergiversa, acopla e inventa. Cada imagen pierde así referencia, en una especie de nebulosa onírica, por donde siempre puede colarse la pesadilla. La obra de Ken como un espejo engañoso que crea reflejos deliberadamente oscuros, inquietantes.
Las confusas imágenes de Rosenthal, resbalan del lugar común y abren la puerta a la idea de la muerte, la enfermedad y otros capítulos trágicos, así como al concepto de lo ominoso. El primer plano del niño llorando no provoca la ternura hacia el recién nacido sino el gesto grave ante la visión de otro grito más terrible y doloroso.




FUENTES:

·http://www.kenrosenthal.com/
·http://fotonotasuy.wordpress.com/2007/04/23/100/
·http://www.presidencia.gub.uy/_Web/noticias/2006/11/2006110904.htm

Leo Matiz

Leonardo Matiz (1917-1998), junto con su maestro, Luis Benito Ramos y con Melitón Rodriguez, forman la columna vertebral de la historia de la fotografia en Colombia durante el siglo veinte.
Con Melitón se inicia la tradición de la fotografía con altos niveles de técnica y como una forma de expresión que supera el registro en sí mismo.
Con Luis Benito Ramos, maestro de Leo Matiz y casi dos décadas mayor que él, se comienza a descubrir la fotografía como recurso narrativo y como forma de expresión del colombiano del común: el documento social como un oficio.
En Leo Matiz encontramos la primera figura internacional de la fotografía colombiana, un pionero del oficio, por fuera de las fronteras del país. En Leo Matiz no se encuentran las imágenes de la noticia, por el contrario, son campesinos, pescadores, habitantes de los pueblos, labriegos, personas que vivían y construían el pais. Se dedicó a las artes, siendo caricaturista, pintor, editor, actor y fotógrafo.
Durante los años 40 y 50, junto con G. Figueiroa y M. Álvarez Bravo, colaboró en el desarrollo creativo del cine y de la fotografía mexicana.
De su amistad con la pareja Khalo / Rivera, resulta una serie de fotos de Frida, que sigue viajando en varias muestras por el mundo entero.
Reportero especial para las revistas las más famosas - Life, Harper's, Reader's digest - ganó el premio de la prensa mexicana.
Hoy en día, es conocido como una leyenda de la fotografia del siglo XX.
Las fotografías de Leo Matiz llaman la atención por varios aspectos.
Desde un punto de vista formal, hay calma en las composiciones, pero no son aburridas, gracias al fuerte contraste que proporcionan las luces.
Gracias a Leo Matiz, tenemos una idea de lo que era América del Sur hace unos años. Testimonios de una época, de un país, de un instante, de una mirada. Algunas fotografías podrían incluso ser consideradas etnológicas, informativas.
Pero este punto de vista objetivo no impide la proximidad de Leo Matiz al sujeto.
Sean personas, objetos, detalles, el artista se pone a la altura de lo que está fotografiando.
De hecho, vemos las cosas como son, con la impresión de ver instantes verdaderos.
Prefiere el plano detalle a los grandes planos generales.Recordándonos así la importancia del ser humano; aquí está la dimensión social y crítica de sus fotografías. A través de ellas, aparece un pueblo humilde, que se encuentra sometido a una incierta autoridad, aspecto éste sugerido por las sombras contrastadas.

FUENTES:
·http://www.fotografoscolombianos.com/fotogra/maestro/matiz/matiz.htm
·http://www.asofoto.com/ExpoLeoMatiz/leo_matiz.htm
·http://www.leomatiz.org/entrada.html
·http://www.elangelcaido.org/fotografos/lmatiz/lmatizcom.html
·http://www.colarte.com/colarte/conspintores.asp?idartista=5643

Joan Colom

Nacido en Barcelona en 1921Con la cámara semioculta y tirando sin mirar por el visor, Joan Colom empezó en 1958 a captar imágenes del popular barrio Chino de Barcelona. Eran tomas clandestinas, disparadas por debajo la cintura, cuya veracidad documental dio como fruto un legado testimonial de la vida del proletariado barcelonés a finales de los años 50 y comienzos de los 60. Un trabajo que, en el 2002, le valdría el Premio Nacional de Fotografía.

Joan Colom pertenece a una generación de fotógrafos españoles que, en la segunda mitad de los años cincuenta, renueva el lenguaje de la fotografía y la incorpora a las tendencias de vanguardia de su momento, siendo uno de los precursores en la composición de series fotográficas. Es la generación de “la nueva vanguardia” (en palabras del crítico Josep María Casademont), la generación de Miserachs, Maspons y Masats, inspirada por los trabajos de Català-Roca y su libro sobre la Barcelona de 1954. Los referentes de Colom son los fotógrafos modernos de París (Cartier-Bresson, Brassaï, Man Ray y Doisneau) y de Nueva York (Walker Evans, William Klein, Garry Winogrand, Helen Levitt y Robert Frank).

FUENTES:

·http://www.fundacion.telefonica.com/at/colom.html

·http://www.acomunica.com/cora24/fotografia/01d7b894bc0f46c45.html

·http://www.mcu.es/promoArte/CE/Premios/NacionalFotografiaPremiados.html

Alberto García-Alíx

Fotógrafo español nacido en León en 1956.Se traslada a Madrid en 1967, ciudad en la que años más tarde comienza los estudios de Derecho que pronto abandona. En 1976 publica sus primeras fotografías en la revista barcelonesa Star. Al año siguiente funda junto a Ceesepe la Cascorro Factory, dedicada a piratear tebeos norteamericanos. En 1978 publica el álbum Vicios Modernos, en el cual sus fotografías se acompañan de textos y dibujos realizados por Ceesepe. En la década de los ochenta y noventa emprende varios viajes que le llevan a Tánger, Ibiza, Venecia, Nueva York, Bali, Cuba y México, captando en todos ellos imágenes a modo de diario. En 1996 recibe el premio Passport en reconocimiento al conjunto de su obra. Premio Nacional de Fotografía en 1999, su obra recorre diversos países y es admirada en publicaciones como Vogue, British Journal of Fotography o Vanity Fair. También ha protagonizado numerosas exposiciones individuales y participado en importantes colectivas.
Destacan sus retratos en blanco y negro con series dedicadas a las motos, los presos, las estrellas del porno, los yonkis y los tatuajes. Fue uno de los protagonistas más destacados de la movida madrileña. Habitaciones vacías, zapatos, mujeres, tatuajes y otra serie de objetos que tienen que ver con su existencia y que nos muestra de una manera muy personal, caracterizan la obra de García-Alix. Él, tiene la capacidad de concentrar toda una historia, una vida, en una única imagen. Esta particular visión del mundo que le rodea ha hecho que el crítico de arte Calvo Serraller lo defina como poeta callejero.
Sus cámaras Leika y Haselblad han inmortalizado a importantes artístas nacionales e internacionales.
Amante de las Harleys, éstas junto con los tatuajes, la música y la noche han sido sus fuentes de inspiración.



FUENTES:

·http://www.caborian.com/20050623/charla-con-alberto-garcia-alix/
·http://www.criticarte.com/Page/file/art2004/A.Garcia-Alix.html
·http://www.photogaleria.com/autores/alberto_garcia_alix/

Jordi Esteva

Jordi Esteva es un apasionado de las culturas orientales y africanas a las que ha dedicado la mayor parte de su trabajo periodístico y fotográfico. Sus fotografías recuerdan las pinturas románticas que gustan de la magia y la pasión de las culturas orientales. VIvió durante cinco años en Egipto trabajando en Radio Cairo Internacional. Estudió la vida cotidiana en el desierto recogida en su libro Los Oasis de Egipto. Redactor jefe y director de arte de la revista Ajoblanco entre 1987 y 1993. En 1994 participó en el proyecto Patrimonio 2001 de UNESCO y fotografió la medina de Marraquech, trabajo mostrado en la sede de las Naciones Unidas en Nueva York (septiembre de 1994) y en la sede de la UNESCO en París (mayo de 1996). En 1996 realizó un estudio fotográfico sobre la arquitectura del Atlas marroquí: Fortalezas de barro en el sur de marruecos.En 1998 apareció Mil y una voces, un libro de conversaciones con dieciséis artistas e intelectuales de ambas orillas del Mediterráneo acerca de las sociedades árabes enfrentadas al desafío de la modernidad. Publicó Viaje al país de las almas, un acercamiento al mundo del asimismo africano, en el que documenta los rituales iniciáticos y de posesión. En el 2006 apareció Los árabes del mar: La búsqueda de los antiguos marineros de las costas de Arabia que recorrían los puertos del océano Índico con sus veleros propulsados por los monzones siguiendo unas rutas que apenas han variado desde los tiempos de Simbad. Hasta el 24 de septiembre de 2007 se pudo ver en el Palau Robert de Barcelona la exposición Hijos de Simbad, que mostraba una excelente selección de las mejores instantáneas de su último libro.

Actualmente se halla inmerso en un proyecto sobre la isla de Socotra que verá la luz probablemente en invierno de 2008.

FUENTES:

·http://web.mac.com/siwa1/JORDI_ESTEVA/BIOGRAF%C3%8DA.html

·http://gatopardo.blogia.com/2006/061601-los-arabes-del-mar-nuevo-libro-de-jordi-esteva.php

·http://www.labitacoradeltigre.com/tag/jordi-esteva/

·http://www.booksfactory.com/writers/esteva.htm

André Vilaron

André Vilaron comenzó a fotografiar profesionalmente en 1994, como corresponsal free-lance en Río de Janeiro del diario Folha de Sao Paulo. De allí pasó al centro de documentación Imagens da Terra para el cual realizó reportajes publicados en revistas y diarios norteamericanos como el Miami Herald, el Chicago Tribune, y San Francisco Chronicle, y entre 1996 y 1997 se desempeñó en la revista brasileña Manchete. Desde 1999 dirige junto a Cinara Barbosa, Cámara Clara, la única galería de Río de Janeiro dedicada exclusivamente a la fotografía, un comienzo en vías de ampliarse a través de la producción de eventos relacionados con la fotografía y el cine.
Su fotografía se centra en el tema de las religiones afro-brasileñas. El cuerpo es muy importante en estos rituales. Tanto en Brasil como en Cuba, la expresión del cuerpo en la danza, su resonancia con la percusión y los sonidos, es fundamental en el desarrollo del ritual y es lo que intenta interpretar.
Su trabajo es muy amplio y hay una gran cantidad de imágenes que componen diversas ediciones: el trance, el cuerpo, el símbolo, la danza, las comunidades, la iconografía, el sincretismo, etc.


FUENTES:

·http://www.leedor.com/notas/ver_nota.php?Idnota=238
·http://photos.uol.com.br/gal2.asp?cod_tipo=4

"Una filosofía de la fotografía"

Vilem Flusser, teórico y filósofo de los medios, nos ha enseñado la verdadera función de la fotografía. En un mundo automatizado donde los aparatos, cada vez más incomprensibles para los seres humanos, sustituyen nuestras tareas y determinan nuestro ritmo de vida debemos pararnos a reflexionar sobre el papel que tenemos nosotros en todo este entramado tecnológico.
La cámara (esta reflexión es válida para todos los aparatos) tiene en su programa un número muy alto, pero concreto, de fotos posibles. En la actualidad, con el fácil acceso a los aparatos tecnológicos, los aficionados a la fotografía nos dejamos llevar por el programa de la camara, nos domina y nos lleva a hacer fotos redundantes, muy probables y nada informativas (Todos acemos fotos de la Al-Ambra si vamos de viaje a Granada y todas iguales).
La verdadera función del fotógrafo, consciente o no de su empresa, es la búsqueda de las fotos menos probables, aquellas que luchan contra el programa de la cámara y que son informativas por su novedad.
Este blog es un reconocimiento a los profesionales que luchan contra un mundo postindustrial donde nuestras acciones carezcan de sentido, porque creen que en la sociedad de la imagen todavía tenemos mucho que aportar.


FUENTES:

·Flusser, Vilem; "Una filosofía de la fotografía"; Editorial Síntesis; Madrid