Bahman Jalali

"Bahman Jalali ha fotografiado los puntos cardinales de Irán, ha documentado sus guerras y revoluciones, ha retratado su paisaje desértico, ha registrado la topografía facial de sus gentes y ha demostrado ser un profundo conocedor de la quietud vacía de los pueblos y ciudades iraníes" comenta Catherine David, comisaria de la exposición sobre Bahman Jalali que tuvo lugar en la Fundació Antoni Tapiés del 29 de septiembre al 30 de diciembre de 2007. La exposición incluía como plato fuerte dos proyectos: Días de sangre, días de fuego (Teherán, 1978-1979), que nos hace testigos de la revolución iraní, y Khorramshahr. La ciudad que fue destruida (1981), documento de la guerra entre Irán e Irak. También incluía otras series documentales que retratan la vida cotidiana, la vida de los pescadores y las formas arquitectónicas tradicionales del desierto iraní o de la ciudad de Bushehr; y una selección de fotomontajes de negativos de la época Qajar. Es una excelente muestra de gran parte de su carrera.
Con motivo de la exposición Barcelona tuvo el honor de recibir al fotógrafo iraní. Nacido en 1944, comenzó a fotografiar de forma desinteresada. Su objetivo no era publicar las fotos sino simplemente conservarlas. "Hago fotografía para el futuro, no para el presente""En la historia de cualquier país hay épocas mejores y peores. Como fotógrafo, mi misión es estar allí y documentar lo que hay, el futuro decidirá" afirmaba Jalali en una entrevista realizada por El País.
Contemplar las fotografías de Bahman Jalali es presenciar la historia evidente y oculta a la vez de su pueblo: de las calles y los frentes de batalla, de sus revoluciones y guerras, del paisaje deshabitado de sus desiertos y sus pequeños pueblos, y aun de los remotos rincones de sus recuerdos fotográficos. Su obra y su actividad sirven por tanto de índices del importante papel desempeñado por la fotografía en la emergencia de su país como Estado nación moderno a lo largo de los últimos doscientos años, y cartografían los diversos regímenes visuales que han sentado las bases para la formación de la modernidad en Irán. El registro vivo de una modernidad visual coincidente con una narrativa nacional que hunde sus raíces en la conciencia colectiva iraní es evidente en su obra y atraviesa las siluetas de su memoria fotográfica.


FUENTES:
·http://www.fundaciotapies.org/site/rubrique.php3?id_rubrique=747
·http://www.fundaciotapies.org/
·http://blogs.ya.com/yashoot/c_75.htm
·http://www.pixelicia.com/2007/10/03/bahman-jalali-iran-a-carne-viva
·http://www.lavanguardia.es/free/edicionimpresa/res/20071107/53409449820.html
·http://www.lavanguardia.es/free/edicionimpresa/res/20071107/53409456610.html
·http://www.lavanguardia.es/free/edicionimpresa/res/20071107/53409443513.html
·http://www.lavanguardia.es/premium/publica/publica?COMPID=53397603663&ID_PAGINA=22088&ID_FORMATO=9&turbourl=false

Ken Rosenthal

Ken Rosenthal nació en Los Angeles, Estados Unidos y es uno de los tantos fotógrafos que gozan hoy día de la fama que ha cobrado el medio fotográfico en el mercado artístico. Su obra está repartida en múltiples colecciones y es representada por diez galerías de su país.
El proceso químico de la copia es pilar fundamental de su obra. Partiendo de negativos muy nítidos genera imágenes fuera de foco, convirtiendo el proceso de copiado en metáfora del proceso de la memoria, que por mecanismos misteriosos –Ken no da la receta de sus copias…- borra, tergiversa, acopla e inventa. Cada imagen pierde así referencia, en una especie de nebulosa onírica, por donde siempre puede colarse la pesadilla. La obra de Ken como un espejo engañoso que crea reflejos deliberadamente oscuros, inquietantes.
Las confusas imágenes de Rosenthal, resbalan del lugar común y abren la puerta a la idea de la muerte, la enfermedad y otros capítulos trágicos, así como al concepto de lo ominoso. El primer plano del niño llorando no provoca la ternura hacia el recién nacido sino el gesto grave ante la visión de otro grito más terrible y doloroso.




FUENTES:

·http://www.kenrosenthal.com/
·http://fotonotasuy.wordpress.com/2007/04/23/100/
·http://www.presidencia.gub.uy/_Web/noticias/2006/11/2006110904.htm

Leo Matiz

Leonardo Matiz (1917-1998), junto con su maestro, Luis Benito Ramos y con Melitón Rodriguez, forman la columna vertebral de la historia de la fotografia en Colombia durante el siglo veinte.
Con Melitón se inicia la tradición de la fotografía con altos niveles de técnica y como una forma de expresión que supera el registro en sí mismo.
Con Luis Benito Ramos, maestro de Leo Matiz y casi dos décadas mayor que él, se comienza a descubrir la fotografía como recurso narrativo y como forma de expresión del colombiano del común: el documento social como un oficio.
En Leo Matiz encontramos la primera figura internacional de la fotografía colombiana, un pionero del oficio, por fuera de las fronteras del país. En Leo Matiz no se encuentran las imágenes de la noticia, por el contrario, son campesinos, pescadores, habitantes de los pueblos, labriegos, personas que vivían y construían el pais. Se dedicó a las artes, siendo caricaturista, pintor, editor, actor y fotógrafo.
Durante los años 40 y 50, junto con G. Figueiroa y M. Álvarez Bravo, colaboró en el desarrollo creativo del cine y de la fotografía mexicana.
De su amistad con la pareja Khalo / Rivera, resulta una serie de fotos de Frida, que sigue viajando en varias muestras por el mundo entero.
Reportero especial para las revistas las más famosas - Life, Harper's, Reader's digest - ganó el premio de la prensa mexicana.
Hoy en día, es conocido como una leyenda de la fotografia del siglo XX.
Las fotografías de Leo Matiz llaman la atención por varios aspectos.
Desde un punto de vista formal, hay calma en las composiciones, pero no son aburridas, gracias al fuerte contraste que proporcionan las luces.
Gracias a Leo Matiz, tenemos una idea de lo que era América del Sur hace unos años. Testimonios de una época, de un país, de un instante, de una mirada. Algunas fotografías podrían incluso ser consideradas etnológicas, informativas.
Pero este punto de vista objetivo no impide la proximidad de Leo Matiz al sujeto.
Sean personas, objetos, detalles, el artista se pone a la altura de lo que está fotografiando.
De hecho, vemos las cosas como son, con la impresión de ver instantes verdaderos.
Prefiere el plano detalle a los grandes planos generales.Recordándonos así la importancia del ser humano; aquí está la dimensión social y crítica de sus fotografías. A través de ellas, aparece un pueblo humilde, que se encuentra sometido a una incierta autoridad, aspecto éste sugerido por las sombras contrastadas.

FUENTES:
·http://www.fotografoscolombianos.com/fotogra/maestro/matiz/matiz.htm
·http://www.asofoto.com/ExpoLeoMatiz/leo_matiz.htm
·http://www.leomatiz.org/entrada.html
·http://www.elangelcaido.org/fotografos/lmatiz/lmatizcom.html
·http://www.colarte.com/colarte/conspintores.asp?idartista=5643

Joan Colom

Nacido en Barcelona en 1921Con la cámara semioculta y tirando sin mirar por el visor, Joan Colom empezó en 1958 a captar imágenes del popular barrio Chino de Barcelona. Eran tomas clandestinas, disparadas por debajo la cintura, cuya veracidad documental dio como fruto un legado testimonial de la vida del proletariado barcelonés a finales de los años 50 y comienzos de los 60. Un trabajo que, en el 2002, le valdría el Premio Nacional de Fotografía.

Joan Colom pertenece a una generación de fotógrafos españoles que, en la segunda mitad de los años cincuenta, renueva el lenguaje de la fotografía y la incorpora a las tendencias de vanguardia de su momento, siendo uno de los precursores en la composición de series fotográficas. Es la generación de “la nueva vanguardia” (en palabras del crítico Josep María Casademont), la generación de Miserachs, Maspons y Masats, inspirada por los trabajos de Català-Roca y su libro sobre la Barcelona de 1954. Los referentes de Colom son los fotógrafos modernos de París (Cartier-Bresson, Brassaï, Man Ray y Doisneau) y de Nueva York (Walker Evans, William Klein, Garry Winogrand, Helen Levitt y Robert Frank).

FUENTES:

·http://www.fundacion.telefonica.com/at/colom.html

·http://www.acomunica.com/cora24/fotografia/01d7b894bc0f46c45.html

·http://www.mcu.es/promoArte/CE/Premios/NacionalFotografiaPremiados.html

Alberto García-Alíx

Fotógrafo español nacido en León en 1956.Se traslada a Madrid en 1967, ciudad en la que años más tarde comienza los estudios de Derecho que pronto abandona. En 1976 publica sus primeras fotografías en la revista barcelonesa Star. Al año siguiente funda junto a Ceesepe la Cascorro Factory, dedicada a piratear tebeos norteamericanos. En 1978 publica el álbum Vicios Modernos, en el cual sus fotografías se acompañan de textos y dibujos realizados por Ceesepe. En la década de los ochenta y noventa emprende varios viajes que le llevan a Tánger, Ibiza, Venecia, Nueva York, Bali, Cuba y México, captando en todos ellos imágenes a modo de diario. En 1996 recibe el premio Passport en reconocimiento al conjunto de su obra. Premio Nacional de Fotografía en 1999, su obra recorre diversos países y es admirada en publicaciones como Vogue, British Journal of Fotography o Vanity Fair. También ha protagonizado numerosas exposiciones individuales y participado en importantes colectivas.
Destacan sus retratos en blanco y negro con series dedicadas a las motos, los presos, las estrellas del porno, los yonkis y los tatuajes. Fue uno de los protagonistas más destacados de la movida madrileña. Habitaciones vacías, zapatos, mujeres, tatuajes y otra serie de objetos que tienen que ver con su existencia y que nos muestra de una manera muy personal, caracterizan la obra de García-Alix. Él, tiene la capacidad de concentrar toda una historia, una vida, en una única imagen. Esta particular visión del mundo que le rodea ha hecho que el crítico de arte Calvo Serraller lo defina como poeta callejero.
Sus cámaras Leika y Haselblad han inmortalizado a importantes artístas nacionales e internacionales.
Amante de las Harleys, éstas junto con los tatuajes, la música y la noche han sido sus fuentes de inspiración.



FUENTES:

·http://www.caborian.com/20050623/charla-con-alberto-garcia-alix/
·http://www.criticarte.com/Page/file/art2004/A.Garcia-Alix.html
·http://www.photogaleria.com/autores/alberto_garcia_alix/

Jordi Esteva

Jordi Esteva es un apasionado de las culturas orientales y africanas a las que ha dedicado la mayor parte de su trabajo periodístico y fotográfico. Sus fotografías recuerdan las pinturas románticas que gustan de la magia y la pasión de las culturas orientales. VIvió durante cinco años en Egipto trabajando en Radio Cairo Internacional. Estudió la vida cotidiana en el desierto recogida en su libro Los Oasis de Egipto. Redactor jefe y director de arte de la revista Ajoblanco entre 1987 y 1993. En 1994 participó en el proyecto Patrimonio 2001 de UNESCO y fotografió la medina de Marraquech, trabajo mostrado en la sede de las Naciones Unidas en Nueva York (septiembre de 1994) y en la sede de la UNESCO en París (mayo de 1996). En 1996 realizó un estudio fotográfico sobre la arquitectura del Atlas marroquí: Fortalezas de barro en el sur de marruecos.En 1998 apareció Mil y una voces, un libro de conversaciones con dieciséis artistas e intelectuales de ambas orillas del Mediterráneo acerca de las sociedades árabes enfrentadas al desafío de la modernidad. Publicó Viaje al país de las almas, un acercamiento al mundo del asimismo africano, en el que documenta los rituales iniciáticos y de posesión. En el 2006 apareció Los árabes del mar: La búsqueda de los antiguos marineros de las costas de Arabia que recorrían los puertos del océano Índico con sus veleros propulsados por los monzones siguiendo unas rutas que apenas han variado desde los tiempos de Simbad. Hasta el 24 de septiembre de 2007 se pudo ver en el Palau Robert de Barcelona la exposición Hijos de Simbad, que mostraba una excelente selección de las mejores instantáneas de su último libro.

Actualmente se halla inmerso en un proyecto sobre la isla de Socotra que verá la luz probablemente en invierno de 2008.

FUENTES:

·http://web.mac.com/siwa1/JORDI_ESTEVA/BIOGRAF%C3%8DA.html

·http://gatopardo.blogia.com/2006/061601-los-arabes-del-mar-nuevo-libro-de-jordi-esteva.php

·http://www.labitacoradeltigre.com/tag/jordi-esteva/

·http://www.booksfactory.com/writers/esteva.htm

André Vilaron

André Vilaron comenzó a fotografiar profesionalmente en 1994, como corresponsal free-lance en Río de Janeiro del diario Folha de Sao Paulo. De allí pasó al centro de documentación Imagens da Terra para el cual realizó reportajes publicados en revistas y diarios norteamericanos como el Miami Herald, el Chicago Tribune, y San Francisco Chronicle, y entre 1996 y 1997 se desempeñó en la revista brasileña Manchete. Desde 1999 dirige junto a Cinara Barbosa, Cámara Clara, la única galería de Río de Janeiro dedicada exclusivamente a la fotografía, un comienzo en vías de ampliarse a través de la producción de eventos relacionados con la fotografía y el cine.
Su fotografía se centra en el tema de las religiones afro-brasileñas. El cuerpo es muy importante en estos rituales. Tanto en Brasil como en Cuba, la expresión del cuerpo en la danza, su resonancia con la percusión y los sonidos, es fundamental en el desarrollo del ritual y es lo que intenta interpretar.
Su trabajo es muy amplio y hay una gran cantidad de imágenes que componen diversas ediciones: el trance, el cuerpo, el símbolo, la danza, las comunidades, la iconografía, el sincretismo, etc.


FUENTES:

·http://www.leedor.com/notas/ver_nota.php?Idnota=238
·http://photos.uol.com.br/gal2.asp?cod_tipo=4

"Una filosofía de la fotografía"

Vilem Flusser, teórico y filósofo de los medios, nos ha enseñado la verdadera función de la fotografía. En un mundo automatizado donde los aparatos, cada vez más incomprensibles para los seres humanos, sustituyen nuestras tareas y determinan nuestro ritmo de vida debemos pararnos a reflexionar sobre el papel que tenemos nosotros en todo este entramado tecnológico.
La cámara (esta reflexión es válida para todos los aparatos) tiene en su programa un número muy alto, pero concreto, de fotos posibles. En la actualidad, con el fácil acceso a los aparatos tecnológicos, los aficionados a la fotografía nos dejamos llevar por el programa de la camara, nos domina y nos lleva a hacer fotos redundantes, muy probables y nada informativas (Todos acemos fotos de la Al-Ambra si vamos de viaje a Granada y todas iguales).
La verdadera función del fotógrafo, consciente o no de su empresa, es la búsqueda de las fotos menos probables, aquellas que luchan contra el programa de la cámara y que son informativas por su novedad.
Este blog es un reconocimiento a los profesionales que luchan contra un mundo postindustrial donde nuestras acciones carezcan de sentido, porque creen que en la sociedad de la imagen todavía tenemos mucho que aportar.


FUENTES:

·Flusser, Vilem; "Una filosofía de la fotografía"; Editorial Síntesis; Madrid